Con una lupa como la que utilizaba Charles Darwin para observar la naturaleza a principios del siglo XIX arranca la gran exposición que sobre este científico inglés se inaugura mañana en el Museo Marítimo de Barcelona, que ayuda a conocer al famoso naturista en profundidad.

 

 

Distribuida en seis ámbitos, la exposición permite acercarse con rigor a Darwin, como hombre y como científico, y ver los motivos que le llevaron a desarrollar su teoría de la evolución tras navegar cinco años por todo el mundo en el Beagle, según ha explicado la directora técnica de exposiciones del museo, Elvira Mata.

La exposición es una producción del American Museum of Natural History de Nueva York, en colaboración otro museos de Londres y Toronto y Chicago y el English Heritage, la entidad que vela por la protección de Down House, la casa en la que vivió Darwin durante casi 40 años.

En esta casa, situada a unos 25 kilómetros de Londres, Darwin vivió con su mujer y sus diez hijos, se dedicó a desarrollar sus teorías del origen del hombre a partir de las notas y objetos sobre geografía, geología, botánica y zoología recogidos en su viaje, según ha recordado el subdirector del Global Busines Development del American Museum of Natural History, Ricardo Mutuberria.

Elvira Mata ha explicado que la exposición es también un periplo marítimo, un viaje científico que muestra al hombre y cómo la teoría de la evolución no surge de la nada, sino de la observación y el estudio durante muchos años.

En la exposición, avalada por el gran éxito que ha tenido en Nueva York, en donde las visitas a la muestra han durado una media de 77 minutos, hay una réplica del camarote de 3 por 4 metros que ocupaba el científico en el HMS Beagle, un bergantín de la clase Cherokee de la Marina Real Británica de algo más de 27 metros de eslora por 8 de manga.

El barco, que ha pasado a la historia por ser en el que viajó Darwin, fue adecuado por el capitán Robert Fitzroy, un aristócrata ingles que invirtió lo mismo que había costado su construcción, para poder resistir un viaje alrededor del mundo y que tuviera las condiciones de un barco científico que debía servir para hacer mapas cartográficos de sudamérica.

También se puede ver una réplica del estudio en el que trabajaba Darwin y objetos e instrumentos para investigar originales de la misma época, además del único facsímil de una página manuscrita por Darwin de la obra “El Origen de las Especies”, que provocaría una revolución y que le convertiría en el científico más relevante y polémico de su época.

La teoría de la evolución es fundamental para la ciencia y es la base de toda la biología moderna; en la sección que hace referencia a la evolución, ha recordado Elvira Mata, se ven ejemplos contemporáneos de la investigación evolutiva moderna y su relación con la genética y la biología molecular.

La exposición, en la que también se ven fotografías de sus trabajos y de su familia, y esqueletos de animales en los que se constata la evolución, acaba con un montaje de orquídeas como muestra de la fascinación que tenía Darwin por este tipo de plantas y con una de las que descubrió en su viaje que contiene el polen en una cavidad muy larga y hundida.

Cuando la encontró, Darwin dijo que había un insecto que para polinizar esta planta debía tener una antena succionadora muy larga, pero que jamás pudo ver.

Cuarenta años más tarde se descubrió un insecto de estas características que confirmaba su teoría de la evolución y la adaptación de las especies, que también se puede ver en esta exposición al final del recorrido.

 

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Inauguración 9 de mayo de 2013
Sala Efraín Recinos
Centro Cultural Miguel Ángel Asturias
19:00 Horas
Proyección de la película Los Chicos Buenos no Lloran (2012,  Países Bajos)
Del 11 de mayo al 6 de junio de 2013
Admisión Gratuita

Circuito: Cines MetroNorte zona 18, / Cines Pradera zona 10 / Paraninfo Universitario zona 1 / Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua Guatemala y en Cobán, Huehuetenango, Quetzaltenango y Mazatenango.

Miles de documentos y fotografías guardados hasta ahora en la casa en la que vivió en Cuba Hemingway sobrevivirán al olvido gracias a una fundación de Estados Unidos que acaba de convertirlos a formato digital.

“Las rosas. Pódelas una vez en septiembre, octubre, noviembre, diciembre y enero. Después déjelas crecer”, pedía el escritor Ernest Hemingway a Pichilo, el jardinero de su casa de La Habana antes de partir hacia Europa durante el otoño de 1948.

 

“Para descansarlas y hacerlas más fuertes”, añadía a mano junto a las anotaciones a máquina.

Estas instrucciones, junto a centenares de documentos y fotografías del autor, permanecían ocultos al mundo hasta ahora en Finca La Vigía, donde residió el novelista durante su periodo en Cuba, y cuya conservación peligraba después de estar expuestos durante años al clima y los huracanes del Caribe.

Su pasaporte expedido en el año 1934 para viajar a Francia y España, una carta a la actriz Ingrid Bergman o facturas de hotel de un viaje que realizó a Austria en 1925 ofrecen textura a lo que se conoce sobre la vida del escritor, quien todavía es uno de los escasos lazos entre la isla y Estados Unidos.

Gracias al trabajo de la fundación estadounidense que lleva el mismo nombre de su casa habanera, otros 2 mil documentos del artista se encuentran desde esta semana a disposición del público en formato digital en la Biblioteca John Fitzgerald Kennedy de Boston.

Cuba y Estados Unidos, que no tienen relaciones diplomáticas ni lazos comerciales desde la revolución comunista en la isla en 1959, encuentran en Hemingway un fino hilo de unión, y es que las dos naciones lo consideraban un compatriota.

“No podíamos esperar a que cambiara el clima político, la casa también se encontraba en malas condiciones, con goteras y mucho polvo”, explicó la cofundadora de la Fundación Finca Vigía y nieta del editor de Hemingway, Jenny Phillips, quien descubrió su existencia en el año 2002 y se puso manos a la obra para su recuperación.

Grupos de expertos en conservación del papel y restauración de documentos han viajado durante años a la capital cubana para perpetuar el legado del autor de “El viejo y el mar”  que, según la profesora Sandra Spanier, es de un valor incalculable para los expertos como ella, dedicados a dibujar una fotografía más nítida de la vida y obra del estadounidense.

 

 el arte español lucha en China por dar a conocer a sus autores más allá de los grandes, como Dalí o Picasso, apostando por el figurativo cargado de todo el color que caracteriza a España, como quedó plasmado en Art Beijing, la feria de Arte Internacional de mayor renombre de la capital china

“Les gusta mucho y relacionan siempre España con Dalí o Picasso, pero nosotros estamos aquí para enseñarles más”, destacó a Moran, el director de la galería Nou Mil·leni, por tercera vez en la ecléctica feria, que cerró ayer sus puertas.

Esa fue la sensación general de las tres galerías presentes este año en la cita del arte en Pekín para darse a conocer y vender: Nou Mil·leni, Sala Parés -la más antigua de España- y Aragón 232 -también por tercer año consecutivo-, todas ellas con base en Barcelona pero con marcado carácter internacional.

El arte español lucha contra la desinformación en el país asiático para hacerse un espacio con obra “muy asentada en otras partes del mundo”, pero de momento desconocida en el gigante asiático.

“Hablas de futbol y se acuerdan del Barça o del Madrid; pero del arte conocen Dalí o Picasso, pero no las jóvenes generaciones”, destacó Maria Joao, de Aragón 232.

Frente a ello, la solución está clara para las tres galerías: venir más y más, y con paciencia.

“Hay gente que quiere informarse ya, eso es un signo. Hay que venir más, pero también adecuar la obra que se trae”, comentó la gerente de Aragón 232. El público chino, de momento y en opinión de los españoles, no está preparado para el arte abstracto, sino para uno más “entendible”.

“Hemos apostado por la obra más fácil de entender, la figurativa; todavía están en esa fase en que lo abstracto les cuesta”, señaló Ferran Josa i Monegal, de la galería Sala Parés, la más antigua de España, con quien coincide la representante de la galería Aragón 232 y el director de Nou Mil·leni.

No obstante, los tres destacaron un punto clave con el que España resaltó en la feria: el color.

“Les impactan mucho los colores y la vida de las obras”, destacó Morán, de Nou Mil·leni, quien aseguró que la pintura española en China está en alza.

A él se sumó Josa i Monegal, de Sala Parés, quien destacó que los chinos “se guían mucho por el cromatismo”.

“Para ellos, todos los colores tienen significado, y les gustan los colores vivos”, añadió Joao, de Aragón 232.

Las opiniones de los galeristas se reafirmaban con los asistentes chinos a la feria, que no tardaron en destacar el colorido en el arte español.

“Me siento muy cómodo con los colores. Me transmiten alegría; también me encantan los paisajes, el mar…”, comentó a EFE un joven chino de nombre Zhong Xiaoming, quien, no obstante, admitió conocer solo el arte de Dalí y no estar muy seguro de si el artista era español.

Un pintor chino en busca de socios sí acertó a nombrar diversos artistas españoles como Picasso, si bien desconocía autores fuera de los “grandes ejemplos”.

Las tres galerías apostaron por traer tanto artistas consagrados como emergentes a los que abrirles camino en una feria de destacada calidad pero en la que la venta, como en China, requiere de un lento proceso.

“Los chinos, como sabemos, tardan su tiempo en comprar”, indicó una de las responsables de la organización.

No obstante, no tardaron tanto en acercarse a un puesto de vinos, también español, que “se coló” en la citada feria bajo un eslogan: “El vino español también es arte”.

“El impacto ha sido bastante bueno. Les sorprende (al público chino) que haya aquí una marca española de vino, pero nosotros vendemos arte y lo tenemos”, comentó Luis Azcona, director de Baco Wine House.

Con dinamismo y de la mano del flamenco, los toros o el fútbol, Azcona también libra una lucha contra la desinformación sobre el vino español en China, donde, asegura, España está de moda.

‘Tamara de Lempicka (1898-1980 ) fue una de las mujeres más bellas, libres y modernas de su época, además de una artista excepcional que se inspiró de los lenguajes más innovadores del siglo XX: fotografía, grafismo, cine, moda…’, explica la italiana Gioia Mori, comisaria de la exposición retrospectiva que la Pinacoteca parisina dedica a la indiscutiblereina del Art Decó.

Hasta el 8 de septiembre, este museo privado situado en una esquina de la muy turística la Place de la Madeleine acoge la muestra sobre la vida y obra de la fascinante Lempicka en su sala 2 y propone, en paralelo, un exhibición dedicada al Art Nouveau en su sala 1. Por 18 euros el billete conjunto, el visitante puede descubrir la primera antológica dedicada desde los años 60 en la capital francesa a este movimiento decimonónico y su evolución hacia el Art Decó a través de uno de los iconos del cambio de siglo.

 

“La bufanda azul”

 Pinacothèque de Paris

 

 

Burgués el uno, libertario el otro, París fue el centro en el que ambos estilos gravitaron sucesivamente, antes de que la capital francesa cediera a Nueva York el testigo de metrópoli preponderante en las artes planetarias. Y París es la ciudad que hoy les rinde homenaje, a través de estas dos exhibiciones donde el antagonismo de otros tiempos se torna complementariedad un siglo después.

El Art Nouveau nació a finales del siglo XIX, en plena Belle Époque, como el canto del cisne de una era en la que se mezclaban la revolución industrial con el positivismo y una estética arquitectónica y decorativa de líneas curvas y caprichosas formas arabescas, devota del hierro forjado de Eiffel y el modernismo de Gaudí, donde las vidrieras y las lámparas Tiffany imponían su estilo en los elegantes cafés y brasseries, mientras en los cabarets triunfaba el cancan y los impresionistas daban sus últimos coletazos.

Acogido desde sus inicios como un “arte total”, que cubrió la mayoría de los dominios (pintura, música, arquitectura, interiorismo, cristalería, joyería), sus abanderados forjaron una imagen idílica de la sensibilidad femenina y la naturaleza que incorporaron a soportes tan variados como el hierro forjado o el vidrio, la madera, el mural, el cartel publicitario, la ilustración de revistas y libros o las joyas.

 

 

Así, en ‘L’Art Nouveau: la révolution décorative’, los coloristas jarrones de Hector Guimard, Daum Frères o René Lalique se mezclan con imponentes muebles de Emile Gallé o Louis Majorelle, esculturas simbolistas de Hector Lemaire y affiches de Eugène Grasset o Paul Berthon, que nos trasportan a los tiempos de la Exposiciones Universales o del Salon des Cents.

“Este movimiento destilaba un ambiente respetable combinado con un perfume de escándalo, como un tío abuelo que esconde un pasado lascivo” , ha explicado a Efe el comisario de la muestra, Paul Greenhalgh. “Los artistas exploraron la feminidad de una manera insólita hasta el momento, representando la liberación y la confianza de una mujer que empieza a modificar su posición en la sociedad europea”. Además, la muestra dedica salas al papel de la naturaleza, la exaltación de la sensualidad o el misticismo en el mundo moderno.

El viaje en el tiempo da un salto para esquivar la Gran Guerra y se traslada al vecino espacio expositivo de la rue Vignon, para descubrir una sociedad menos encorsetada, que bailaba al ritmo del jazz, y una estética de elegantes líneas geométricas que anticipa el fauvismo y el cubismo, con el crack del 29 como horizonte fatal.

En ‘Tamara de Lempicka: la reine de l’Art Déco’, se realiza un recorrido cronológico y temático por la obra de esta “artista sensual y brillante”, como la describe AFP, a través de salas que corresponden a distintos periodos y llevan títulos significativos como ‘La década de la ilusión’, ‘Tamara, refugiada rusa’, ‘Una curiosa mezcla de extremo modernismo y pureza clásica’ o ‘La garçonne’.

Lempicka fue un personaje inclasificable que llevó una vida cosmopolita de auténtica película. Nació en Polonia, vivió en Rusia, estudió en Italia, emigró a París, luego a Nueva York y pasó los últimos años de su vida retirada en Cuernavaca (México), donde murió. Por expreso deseo suyo, sus cenizas fueron arrojadas sobre el volcán mexicano de Popocatépetl.

Mujer ardiente y volcánica, se casó dos veces con hombres muy ricos y jamás ocultó sus inclinaciones bisexuales. De ahí que en la presente muestra abunden esos retratos llenos de luces y sombras de mujeres sofisticadas que tanto le gustaban en todos los sentidos. Fugitiva de la revolución bolchevique, deslumbró con sus cuadros vanguardistas al beau monde de los locos años 20 y hoy esos lienzos, impregnados de erotismo y sensualidad transgresora, han vuelto a la ciudad de la luz para dar testimonio de su actitud creativa y vital eminentemente moderna.

Cuando se cumplen 50 años del caso ‘Profumo’, el escándalo sexual más sonado de la Guerra Fría en Reino Unido y el mayor de la política británica, los historiadores siguen buscando el cuadro de la emblemática artista Pauline Boty. La pintora, una de las fundadoras del pop art británico, y bandera de la revolución social y sexual de los 60, falleció en 1966, a los 28 años de edad, desapareciendo con ella la mayor parte de su producción.

Hace 20 años, sus cuadros fueron descubiertos en el sótano de una granja que había pertenecido a su hermano y se reinició la restauración de su figura y de su obra. Una galería de arte de Wolverhampton inaugurará el próximo mes de junio la primera exposición sobre la conocida como ‘Bardot de Wimbledon’, por su belleza y su parecido con la actriz francesa.

La mayoría de sus cuadros se encuentran en esta exhibición a excepción de tres, de los que se tiene constancia pero que no han sido hallados aún. Uno de ellos es ‘Scandal 63’, en el que dibuja a Katherine Keeler, la prostituta en el centro del escándalo Profumo, sentada a horcajadas en una silla, emulando la famosa foto de Lewis Morley, y las caras de los hombres que la compartieron sin saberlo en la parte superior.

El escándalo estalló en junio de 1963, cuando trascendió a la prensa que el ministro de Guerra británico entonces, John Profumo, tenía una aventura extramatrimonial con Keeler, que a la vez también mantenía relaciones con el agregado naval soviético, Eugene Ivanov, que los servicios secretos británicos sospechaban que era un espía ruso. El sonado escándalo se produjo en plena Guerra Fría y de espionaje, un año después de la crisis de los misiles en Cuba.

El caso hizo saltar por los aires el gobierno conservador de Harold MacMillan, que tuvo que dimitir tras poner la mano en el fuego por Profumo, que le mintió. Keeler fue condenada a nueve meses de cárcel por conspiración. Los rostros que aparecen en cuadro de Boty son los de Profumo e Ivanov. La única prueba que existe del lienzo es una foto de Boty mostrándolo antes de morir. Está considerado como una de las obras que mejor plasman el escándalo. La foto original de Morley está expuesta estos días en la Portrait Gallery de Londres, dentro de una muestra de retratos que conmemora el escándalo.

con información de elmundo. es

Dos cuadros del pintor español Pablo Picasso, pertenecientes a la colección personal de Marina, nieta del artista, serán subastados el 6 de junio en París por Sotheby’s. Esta es la primera ocasión en la que la también nieta de la bailarina Olga Khokhlova saca obras de su abuelo a subasta.

 

'Femme assise en robe grise'.

Femme assise en robe grise

 

Los beneficios de la venta serán destinados  en favor de la infancia y de la adolescencia en dificultades,causa defendida por Marina Picasso. Las obras, que formarán parte del lote de arte impresionista y moderno de la casa de subastas ese día, son emblemáticas de los años de la guerra de Picasso.

La tela ‘Femme assise en robe grise’, fechada el 31 de agosto de 1943, ha sido valorada entre 2,5 y 3,5 millones de euros por Sotheby’s y la protagonista es Dora Maar. ‘Palette et Tête de Taureau’, pintada en 1938, ha sido estimada entre un millón y millón y medio de euros.

 

'Palette et Tête de Taureau'.

‘Palette et Tête de Taureau’

Las obras serán presentadas en Nueva York y Moscú, antes de la venta en París. “Ayudar a niños y adolescentes que están sufriendo es uno de los ejes de mi vida. La venta de estas obras me permitirá sostener varios proyectos que son demasiados caros para mí”, explica Marina Picasso en un comunicado hecho público por la casa de subastas.

 

Muchas razones para conocer y visitar nuestros Museos

Exposición fotográfica

Lugar: Claustro del Convento de Santo Domingo  12 avenida 12-12 zona 1, Ciudad Guatemala

Fecha del 2 al 31 de mayo

Hora de 8:30 am  5:00 pm

Entrada libre

Cuándo y  dónde

Arte en mayo podrá visitarse del 2 al 30 de mayo

Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida, salón 6, finca La Aurora, zona 13

Abierto de martes a viernes, de 9 a 16 horas

sábados y domingos, de 9.30 a 12.30 y de 14 a 16 horas.

Admisión,  Q. 5.00

Para solicitar visitas guiadas  comunicarse  por los  teléfonos: 2366-7123 y  5918-0616

Como todos los años, la exposición está dedicada a una persona que con su trabajo ha dado un importante aporte al arte del país. En esta edición la distinción será para un grupo, el colectivo Femenino Hecho en Guatemala, integrado por Tache Ayala, Mayra Klée, Ilna de Moöller, Connie Secaira, Pina Pinetta, Carol Yurrita de Maselli y Patty Valladares.

Para apreciar

La muestra incluye pinturas, dibujos, intervenciones, video, arte objeto, esculturas, grabados y fotografía, a fin de que la población pueda admirar la diversidad del arte contemporáneo y de entablar un diálogo intercultural, señala José Rozas-Botrán, director de la fundación.

Con la muestra se trata de ofrecer seriedad y credibilidad en cada propuesta, aspectos que se tomaron en cuenta desde que se lanzó la convocatoria a los artistas, en octubre del año pasado.

Más de 500 personas enviaron sus propuestas, que fueron evaluadas por un equipo curatorial, el cual seleccionó cerca de 170 obras, entre artistas de trayectoria y emergentes.

“Este año se le dio más importancia a los creadores de la región centroamericana, entre ellos los guatemaltecos”, dijo José Mario Maza, del jurado.

Entre los seleccionados figuran Magda Eunice Sánchez, Marco Augusto Quiroa, Max Leiva, Efraín Recinos, Miguel Ángel Pérez, Erwin Guillermo y Rodolfo Abularach. Además, sobresale la presencia de mujeres como Elsie de Wunderlich y Amalia Padilla de Gregg.

Fines benéficos

Lo que se recaude con la venta de las piezas se donará para las obras de la Fundación Rozas-Botrán, entre ellas: Campus Médico San José, el Instituto para la Investigación Científica y la Educación acerca de las Enfermedades Genéticas y Metabólicas Humanas, Invegem y Hospicio Hospital San José que atiende a niños con VIH.

Ángel Tejeda presenta un recorrido por la historia de los estilos Barroco y Rococó

Lugar: Alianza Francesa de Guatemala

Fecha: sábado 4 de mayo

Hora:  6:30 pm

Entrada libre

La exposición, que podrá verse hasta el próximo 21 de mayo, se sitúa en el edificio Berlaymont, principal sede del Ejecutivo de la Unión Europea, y se enmarca en una serie de iniciativas emprendidas por el Gobierno mexicano para fortalecer la relación con Europa.

Las actividades incluyen también, en diferentes espacios de la sede comunitaria, una presentación de danza contemporánea, un concierto de música tradicional de mariachis, la exposición de la muestra fotográfica Sitios de México, Patrimonio de la Humanidad, y una degustación de gastronomía mexicana.

 

 

Por su parte, la exposición escultórica de Jorge Marín (Uruapan, Michoacán, 1963) pretende crear un diálogo íntimo con el espectador a través de los sentidos no figurativos de los cuerpos humanos, un diálogo no verbal que integra su propia percepción, según sus organizadores.

“Mi arte es mexicano porque se ha hecho en México y es universal porque utilizo símbolos e iconografías universales. Difícilmente hay alguien a quien no le cause una emoción o una empatía un cuerpo humano con un par de alas”, dijo el artista en declaraciones.

La muestra se inauguró  en presencia del artista, por la subsecretaria General del Servicio Europeo de Acción Exterior, Helga Schmid, y la embajadora de México en Bruselas, Sandra Fuentes-Berain.

“Queremos que México sea conocido por algo más que los mariachis y el tequila, con este tipo de artistas tan mexicanos y tan representativos del país”, reconoció Fuentes-Berain.

El cuerpo como paisaje consta de 21 esculturas que abarcan un periodo de trabajo de cinco años dividido en tres grupos básicos: equilibrio, concentración y contemplación.

 

 

 

Su objetivo es impulsar al espectador a “identificarse con su propia esencia humana, compleja, universal y ambigua como un paisaje”.

Marín, uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo figurativo en México, ha participado en más de 200 exposiciones colectivas e individuales en distintos países de América, Europa y Asia.

Tras varios años de experimentación y búsqueda, el artista optó por utilizar el bronce como signo distintivo de su obra por tratarse de un material mestizo, resultado de la fusión del cobre y el estaño, con el que recuerda las palabras del poeta mexicano Amado Nervo al referirse a la población latinoamericana como la raza de bronce.
La obra de Marín es la síntesis de las tradiciones estéticas de los grandes maestros clásicos y renacentistas, así como de las nuevas formas expresivas que el cuerpo ha alcanzado desde el cambio de siglo.

Muy a modo, el último cuadro de la muestra que los curadores colocaron fue un autorretrato en el que van Gogh aparece pintándose detrás de un lienzo, con pinceles y paleta a mano. Cerca, a préstamo del Musee d’Orsay de París, están la paleta y las pinturas que el artista usó.

 

 

Marije Vellekoop, directora de colecciones, dijo que fueron preservadas por el médico Paul-Ferdinand Gachet, quien atendió a van Gogh en los últimos meses antes de su suicidio en 1890.

Aunque el artista solo vendió dos pinturas durante su vida, Gachet decidió conservar algunos de los utensilios de su paciente.

“La estrella de van Gogh empezaba a brillar, y había habido una exhibición de su obra”, explicó Vellekoop. “El doctor Gachet apreció su calidad, o quizás tuvo alguna visión de futuro”.

En total se exhiben 145 pinturas y bosquejos, casi el doble de la colección habitual del museo.

Otras exhibiciones muestran cómo el artista, en vez de ser un genio autodidacta como suponen algunos, trabajó arduamente para dominar su arte en los diez años previos a su muerte a los 37 años.

 

En muchas de sus obras más famosas empleó herramientas para trazar la perspectiva correctamente.

Entre los elementos más sorpresivos en exhibición hay copias que van Gogh hizo de originales de otros artistas para practicar diferentes estilos y técnicas. Una es una réplica de un grabado japonés. Se parece al original, pero la versión de van Gogh ostenta sus característicos brochazos espesos.

Antoine de Saint-Exupéry publicó El Principito un año antes de que su avión desapareciera en las aguas del Mediterráneo. Su niño inquieto, sensible y curioso cumple ahora 70 años.

Siete décadas de aventuras desde que abandonara su minúsculo planeta y se encontrara en el desierto del Sáhara con un aviador caído del cielo. A lo largo de estos años, numerosos dibujantes y autores de cómics han homenajeado a este personaje desde estéticas muy diferentes y con técnicas particulares.

 

Una carta sellada que llegó a una de las bibliotecas con más historia de Reino Unido en febrero de 2011 dejó a los empleados atónitos.

La carta había sido escrita por un exempleado de la biblioteca del palacio de Lambeth, en Londres, la casa del arzobispo de Canterbury. Fue remitida poco después de su fallecimiento por su abogado y revelaba la ubicación de muchos de los libros más preciados de la colección.

 La historia no ha sido contada hasta ahora.

Los empleados sabían que desde los años ’70 decenas de libros valiosos habían sido robados. Pero no tenían idea de la verdadera magnitud de las pérdidas hasta que esa carta los llevó a la casa en Londres del hombre fallecido.

“Quedamos estupefactos”, le cuenta a la BBC Declan Kelly, el director de bibliotecas y archivos de la Iglesia de Inglaterra. “Unos colegas subieron al ático. Estaba lleno de cajas con libros hasta las vigas. Yo tenía una lista de entre 60 y 90 libros perdidos, pero salían más y más cajas”.

Joyas de la colección

El palacio de Lambeth tiene una destacada colección de libros.

Éstas contenían unos mil volúmenes, compuestos de hasta 1.400 publicaciones. Muchos de ellos eran de las colecciones de tres arzobispos de Canterbury del siglo XVII: John Whitgift, Richard Bancroft y George Abbot.

También estaban incluidos una edición temprana de la segunda parte del libro Enrique IV, de William Shakespeare; lujosos libros ilustrados, como America, de Theodor de Bry, que cuenta las expediciones tempranas al Nuevo Mundo; y libros médicos, como The French Chirurgerye.

“La magnitud del robo es extraordinaria”, dice Robert Harding, director de Maggs Bros, un comerciante de libros raros en Londres. “Es uno de los robos más grandes de su tipo en décadas recientes”.

Harding dice que si está en buen estado, la copia de America, de De Bry, podría valer unos US$230.000, mientras el libro de Shakespeare ascendería a unos US$77.000. Y añade que otros libros también tienen precios altos.

¿Cómo lo logró?

Uno de los aspectos más intrigantes del caso es cómo un empleado fue capaz de llevarse libros tan valiosos y frecuentemente tan grandes.

Algunas joyas recuperadas

Diez volúmenes de America, de Theodor de Bry, que contiene muchas ilustraciones de expediciones tempranas al Nuevo Mundo.

  • Un volumen de Enrique IV, de Shakespeare.
  • El “Spymaster’s scrapbook”, una colección de grabados que ilustran los conflictos de los Países Bajos Españoles.
  • El libro Frenche Chirugerye, de Jacques Guillemeau, que describe los instrumentos de los cirujanos del siglo XVI.

Durante la Segunda Guerra Mundial, una bomba incendiaria cayó en el gran salón del palacio de Lambeth, que albergó buena parte de la colección temprana de la biblioteca.

Se estimó entonces que hasta 10.000 libros fueron destruidos o sufrieron daños graves. En los años posteriores, si se descubría que faltaba un libro, era fácil asumir que se había perdido en la guerra.

Pero en 1975, el entonces bibliotecario se dio cuenta de que habían desaparecido algunos de los libros más importantes que se sabía que habían sobrevivido, incluido el ejemplar de Shakespeare.

El ladrón tenían había removido las tarjetas para indexar los libros, lo que dificultaba aún más descubrir qué había sido robado exactamente. Se concluyó que era un asunto de apenas unas decenas de libros.

“En los años ’70 era muy fácil: no había dispositivos de detección, nada que pudiera impedir que uno saliera con un libro”, indica James Carley, un académico canadiense que ha estado investigando la historia de la biblioteca.

“La policía hizo una investigación y entrevistó a todos los empleados, pero se quedaron en blanco y nada de la biblioteca había sido vendido en los comercios de libros”, dice Kelly.

Las pistas siguieron en blanco durante más de 35 años hasta que llegó la carta.

Identidad desconocida

Aunque el alcance verdadero del trabajo del ladrón fue descubierto hace más de dos años, sólo hasta ahora se está haciendo público.

La colección cuenta con ejemplares de alto valor histórico y monetario.

“Nos hemos contado la historia pues queríamos llegar al punto en que pudiéramos empezar a hacer disponibles los libros otra vez”, explica Kelly.

Él se rehúsa a revelar la identidad del ladrón. “Era un exempleado de bajo rango”.

“No queremos causarle ningún sufrimiento a alguien que todavía esté vivo y tenga conexión con el ladrón. Queremos mirar hacia delante, no hacia atrás”.

Pero Tim Bryars, un vendedor de libros de anticuario en Londres, tiene otra teoría. “Puedo entender por qué no revelaron su nombre: hay otras personas que han robado material similar y si ven que otro es nombrado y avergonzado -incluso de manera póstuma- pueden terminar tirando los libros en la hoguera”, dice.

¿Por qué lo hizo?

Los motivos verdaderos del ladrón también se han ido a la tumba con él, pero el hecho de que dañó tantos de los libros ofrece una pista. Removió o trató de remover las marcas de pertenencia utilizando químicos. También recortó el escudo de armas de los arzobispos de la portada y le quitó la encuadernación de algunos ejemplares.

Las razones del robo todavía no están claras.

“El hecho de que fueron dañados sugiere que estaba intentando venderlos. Quizás lo intentó y, tras ser interrogado, lo dejó. La fantasía de un coleccionista secreto que quiere regodearse en su colección privada no es común en la realidad”, dice Harding.

“Los daños afectan mucho el valor. Un libro sin el escudo de armas puede haber perdido el 90% de su valor. Es vandalismo cultural”, sentencia Harding.

Algunos de los libros robados aún no han aparecido. El ladrón removió las tarjetas de indexación de los libros que se robó y éstas fueron halladas en su casa. Pero no todos los libros correspondientes fueron recuperados. Los que faltan pueden haber sido vendidos.

Alrededor del 10% de los libros recuperados ya han sido reparados y otro 40% ha sido incluido en el catálogo en línea de la biblioteca.

“Es grandioso tener estos libros de vuelta y ahora los estudiosos pueden tener acceso a ellos para ver lo que la gente tenía disponible en esos siglos para informarse”, dice Kelly.

Y con esa decisión, más de tres décadas de misterio parecen haber llegado a su fin.

El literato estadounidense Truman Capote envió en 1958 a la casa editorial Random House el material un manuscrito con notas, el cual fue subastado por US$306 mil dòlares, segùn informò la casa de subastas RR Aution.

Aquella Holly Golightly que haría inmortal en el cine Audrey Hepburn todavía se llamaba Connie Gustafson en este borrador de ochenta y seis páginas escritas a máquina que, por lo demás, es casi exacto a la versión que se publicó.

 

La historia de aquella mujer que vive sin complejos su frivolidad y se acuesta con hombres adinerados para acceder a las clases altas hizo a Norman Mailer considerar a Capote “el escritor más perfecto de su generación”  y, en el borrador subastado, el propio Capote reconoce: “siento que me convierto en el escritor que quería ser”.

La pluma de Música para camaleones y A sangre fría buscó para el inolvidable personaje, que Capote siempre quiso que interpretara en el cine Marilyn Monroe, inspiración en sus amigas íntimas de la alta sociedad neoyorquina, como Oona ONeil, hija de Eugene ONeil y mujer de Charles Chaplin, o la diseñadora Gloria Vanderbilt.
La imagen más cínica, irónica y sórdida de su protagonista, en cambio, fue dulcificada en la película de 1961 dirigida por Blake Edwards que, pese a todo, se convirtió en un clásico popular con imágenes icónicas que marcaron tendencia durante generaciones, especialmente gracias al vestuario diseñado para Hepburn por Givenchy.

Con informaciòn de Prensa Libre

La exposición reúne más de ciento cincuenta  años en  fotografía de los acervos de la Fototeca Guatemala y sus colaboradores. La muestra se complementa con textos de Francisco Morales Santos.

Lugar: Centro Municipal de Arte y Cultura,  7a avenida y 12 calle esquina zona 1

Fecha: del 5 de abril al 4 de mayo

Hora 9 am a 1 pm y de 2 a  4 pm de lunes a viernes. Sábado 9 am a 1 pm

1o. de mayo cerrado

Entrada libre

 

Desde 1982 cada 29 de abril, por iniciativa del CID-UNESCO es celebrado en todo el mundo el “Día Mundial de la Danza”

danza

El International Dance Council CID efectúa el seguimiento e impulso de iniciativa que celebren este acontecimiento, así como desarrolla una amplia campaña para el apoyo institucional de la celebración, de los profesionales del ámbito y de los medios de comunicación.

OBJETIVO:

Este es un evento que pretende atraer la atención del público en general sobre el Arte y la Cultura de la Danza, poniendo especial énfasis en la captación de nuevos públicos, gente que normalmente no acude a espectáculos de Danza en el transcurso del año.

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EVENTOS:

Los eventos del Día de la Danza  pueden ser espectáculos especiales, conmemorativos, cursos de puertas abiertas, muestras públicas y shows en las calles, exhibiciones, lecturas, videoproyecciones, visitas a  teatros, programas de televisión, etc.

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Festival internacional de cortometrajes

Lugar: Alianza Francesa de Guatemala, Finca La Aurora zona 13

Fecha: lunes 29 y martes 30 de abril

Hora 7:00 pm

Para este 2013 del 15 al 26 de mayo se celebrará la 66 edición del festival de cine francés Cannes, donde se entrega el galardón de la Palma de Oro a lo mejor del cine.  Esta vez serán 19 países los que presentarán sus propuestas, entre ellos representando a Latinoamérica competirán tres mexicanas, una argentina y una chilena.

 

 

 

En el caso de la selección oficial, será la el filme Heli del mexicano Amat Escalante la única que participe por Latinoamérica junto a otros filmes de celebridades del mundo del cine como los hermanos Ethan y Joel Cohen, Roman Polanski y Steven Soderbergh.

 

En la sección Una Cierta Mirada, será una producción mexicana la que será exhibida la temática principal es el calvario de migrantes que peregrinan por tierras mexicanas para llegar al norte: “La jaula de oro” de Diego Quemada – Diez.

 

Contrafábula de Alejandro Iglesias Mendizábal es otra de las propuestas que serán presentadas en la categoría Cinefondation (dedicada a los trabajos realizados por estudiantes).  Donde participarán también Chile con “junto con Asunción” de Camila Luna Toledo y Argentina con “Mañana todas las cosas” de Sebastián Schjaer.

Para este año las películas de la sección oficial Una Cierta Mirada serán catalogadas como escaparate de un cine más atípico según anunciaron los organizadores del Festival.  Dentro de esta categoría, el director artístico del Festival Thierry Frémaux escogió entre mil 800 propuestas de todo el mundo.

 

 

Live HD Met Opera

Hora: 10:00 am

Admisión Q120.00  y  Q95.00

Parqueo Q20.00